Roger Linn ha il dono di sapere di cosa hanno bisogno i musicisti prima che lo conoscano loro stessi. La sua LM-1 Drum Computer del 1979 è stata il primo strumento a combinare modelli programmabili con campioni di batteria reale, mentre il seguito del 1982–la LinnDrum–ha sicuramente contribuito a caratterizzare la musica pop del decennio.

Non tutto il male viene per nuocere. Quando la Linn Electronics più tardi andò fuori commercio, accadde qualcosa di molto importante per la storia della musica: Roger Linn iniziò a collaborare con Akai Professional, dove progettò l'MPC60 e l'MPC3000, macchine che avrebbero contribuito alla nascita dell'hip-hop, e lasciato un segno sia sulla musica che sulla tecnologia, per generazioni.

Mentre Linn può essere riconosciuto da molti come un pioniere delle drum machines, la sua eredità è molto più ampia. È stato un pioniere dell'audio digitale in generale, ha contribuito a sviluppare la tecnologia dietro la nuova arte del campionamento, e ha lasciato il segno sul software musicale che utilizziamo oggi. E–per fortuna–per i musicisti di tutto il mondo, Roger Linn sta ancora plasmando il futuro della tecnologia musicale.

Roger Linn

"In realtà sono appena tornato da ContinuuCon questo fine settimana", dice da casa sua a Los Altos, nella Silicon Valley. "È una celebrazione dell'Haken Continuum. Era pieno di persone intelligenti, creative e che pensano che la musica dovrebbe essere fatta con più di semplici switch on/off. Il Continuum è uno strumento meraviglioso, e lo stanno apprezzando".

È stato un po' strano vedere che stavi per parlare alla ContinuuCon quando già hai il tuo proprio hardware "rivale", il LinnStrument. Quelli di Haken Audio non sono tuoi determinati competitors?

"Beh, a mio parere, la concorrenza non è tra me e loro, è piuttosto con il mondo di persone che pensano che gli strumenti musicali dovrebbero essere fatti di legno, ottoni e corde. La missione è quella di affermarci come nuovo metodo di creazione musicale. I nostri strumenti fanno tutto quello che i vecchi hanno fatto - siamo solo una nuova tecnologia. Paragonalo con le vecchie tecnologie come i tasti o le corde o i tubi o gli ottoni: sono tutte innovazioni, e noi siamo giusto il passo più recente in questo senso.

"Un problema è che molte interfacce per computer musicali sono ancora molto complicate da usare. L'Haken Continuum contiene un generatore di suoni integrato, ed è bellissimo, quindi chi vuole suonarne uno correttamente non ha bisogno di sapere nulla sul MIDI.

"Molti musicisti nell'accezione più classica, in passato sono stati trascinati bruscamente nel mondo del MIDI, ed il suo sistema di interruttori on/off, dove le cose non funzionano esattamente come per gli strumenti acustici. Per noi è estremamente naturale e quasi istintivo, ma siamo solo una piccola parte della comunità di musicisti".

(Image: © Future)

Nel LinnStrument hai scelto di utilizzare lo standard MIDI - nessuna sorta di formati misteriosi o interscambi di protocolli dietro le quinte. Il MIDI standard - MIDI 1.0 - ti dà ancora tutto quello che ti serve per fare quello che vuoi fare?

"Non ci sono limitazioni per quanto riguarda LinnStrument. Il MIDI mi dà tutto ciò di cui ho bisogno: mi dà la risoluzione, mi dà la velocità - in particolare via USB, ma anche tramite cavi MIDI il MIDI è in realtà molto veloce.

"Al momento non c'è richiesta per nulla, a parte lo standard MIDI. Abbiamo creato questa nuova estensione di MIDI chiamata MPE, che permette cose come pitch bend polifonici inviando ogni nota sul proprio canale MIDI. Non è proprio così innovativo - infatti, esiste dall'inizio del MIDI sotto forma di quello che al tempo chiamavano MIDI Mode 4, quindi non c'era davvero bisogno di niente di tutto ciò.

"Il MIDI fu ben progettato, e la prova di ciò è che è durato nel tempo. Ci sono alcune cose davvero interessanti nella nuova proposta MIDI 2.0, ma la stragrande maggioranza di ciò che la gente vuole veramente fare è già stato reso possibile dal MIDI 1.0". Questo settore si muove molto lentamente, e abbiamo molti piccoli sviluppatori che non hanno le risorse per supportare tutti gli standard, quindi il MIDI 2.0 potrebbe richiedere molto tempo prima che sia ampiamente utilizzato".

Quindi, mentre ci sono 'note on' e 'note off' integrati, il MIDI non deve essere un protocollo solo per fare musica con comandi on/off.

"Beh, in passato ho fatto io stesso alcuni di quegli switch on/off. I Drum Pad sono interruttori on/off - se li premi, triggeri il suono, ad esempio un conga, che suonerà semplicemente da quel punto in poi. Ma un percussionista esperto può aggiungere un sacco di variazioni, tutti i tipi di rolls di dita o di muting con l'altra mano, ad esempio. Ci sono più aspetti delle percussioni che non si limitano al puro colpire la pelle, sono molto più di semplici 'note on' e 'note off'.

Cosa ne pensi della musica realizzata con le drum machines da te create?

"Raramente ascolto qualcosa con delle drum machines al suo interno. Tendo ad apprezzare la musica suonata più dolcemente - musica creata in quello splendido spazio tra il silenzio e i sussurri. Quando lavori in quello spettro, c'è una grande varietà di emozioni a disposizione, ma quando qualcuno inizia a 0dB, non c'è molto spazio dove muoversi."

(Image: © Roger Linn Design)

Si parla molto di "quel caratteristico swing della MPC". Possiamo chiedere direttamente al suo creatore? C'è davvero qualcosa di speciale e unico e, in caso affermativo, che cosa?

"In realtà, è semplice. Per lo swing di base, si suonano terzine di 16 note, ma senza la nota centrale di ogni terzina. Per come la rappresento, io uso il 50% di swing per avere sedicesimi dritti, perché ogni coppia di sedicesimo in un'ottava ha la stessa durata. L'oscillazione tripla perfetta sarebbe 66%, perché la prima nota sedicesima di ogni coppia ha 2/3 della durata dell'ottava.

"La magia si manifesta in tutti i punti intermedi: al 54%, si ottengono sedicesimi dritti con un po' di swing, e al 58%, si ottiene uno swing molto sciolto e naturale.

"Ho visto alcuni software musicali che includono modelli di groove molto complessi che rendono inutilmente complesso il semplice concetto di swing timing. Ma è un concetto molto semplice: basta aggiustare questo rapporto di durata tra coppie di sedicesimi.

"Detto questo, devi anche tagliare l'inizio del campione in modo preciso, e il software deve avere un timing sufficientemente stretto in modo che le note suonino al momento giusto".

Quindi è solo...... swing. Letteralmente swing...

"Sì, esatto. Swing è un buon esempio di un uso efficace della tecnologia nella musica perché da una sensazione musicale che altrimenti sarebbe molto difficile da suonare dal vivo, ma comunque devi essere un essere umano creativo per interpretare la parte da solo.

"La quantizzazione temporale è un altro buon esempio, in quanto devi ancora suonare nella parte, ma la quantizzazione corregge gli errori temporali che tutti tranne i batteristi più esperti tendono a fare. Quando ho creato entrambe queste caratteristiche nel 1979, il mio intento era quello di aiutare le abilità del musicista, non sostituirle.

"Stiamo tutti cercando di trovare il giusto equilibrio tra assistenza tecnologica e abilità umana. Nella nostra ricerca, penso che a volte ci stiamo spingendo troppo in là nella direzione di lasciare che la tecnologia sostituisca le abilità umane. Alcune persone preferiscono trascorrere settimane di programmazione in ogni sfumatura dettagliata di un grande assolo strumentale, piuttosto che prendersi il tempo per esercitarsi e sviluppare maggiori capacità di performance.

"Qualcuno mi ha riferito un commento di Quincy Jones su un editing così dettagliato: ha detto che è come pitturare un Boeing 747 con un cotton fioc, e penso che sia vero. Man mano che il tempo avanza, ci renderemo tutti conto che se qualcosa può essere programmato, non è più arte. L'arte è qualcosa di raro, qualcosa che usiamo per descrivere individui di talento unico".

(Image: © vintagesynth.com)

In termini di design di prodotto di successo - in particolare quelli che hanno cambiato il volto della musica - hai un tasso di successo particolarmente alto. Cosa pensi che sia la tua filosofia progettuale o il tuo approccio che ha reso possibile tutto questo?

"Ascolto quello che dicono i clienti, ma spesso quello che dicono di volere non è quello che vogliono veramente. Mi piace la citazione che Steve Jobs ha usato, da Henry Ford: "Se chiedi alla gente cosa vuole, ti diranno che vogliono un cavallo più veloce". E se guardi i sintetizzatori, la gente dice di volere più LFO, più inviluppi, più fasi di inviluppo.... perché pensano che avere più è meglio.

"Cerco di realizzare un prodotto o uno strumento che, se qualcuno lo usa, dice: 'Non l'avrei chiesto, ma questo è esattamente ciò di cui avevo bisogno'.

"E, presumibilmente, il motivo per cui lo vogliono è per fare della musica. E così si potrebbe considerare un'idea rivoluzionaria che, invece di avere centinaia di controlli e quantità maggiori di elementi di sintesi di 40 e 50 anni fa come oscillatori, filtri e inviluppi, che ne dici di avere una migliore interfaccia umana per creare suoni sintetici?

"Invece di controlli come Filter Resonance o Pulse Width Modulation, che ne dici di controlli focalizzati sulla musica come Spesso/Sottile, Luminoso/Scuro, Consonante/Dissonante, Semplice/Complesso, e la capacità di trasformare tra timbri complessi esistenti?

Cosa vedi nel futuro della tecnologia musicale? Quali tendenze, quali tecnologie e quali idee pensi che daranno forma al nostro modo di fare musica?

"Penso che l'idea di espressione e controllo continuo, sia che provenga dal LinnStrument, dal Continuum, dal Roli Seaboard o da altri, sia il prossimo movimento - è solo che la gente non lo riconosce ancora. Ma la maggior parte degli addetti ai lavori stanno ancora chiedendo quali sono essenzialmente i migliori interruttori on/off, e il nostro problema è come mostrare alla gente come potrebbero essere le cose.

"Ho notato che gli assoli strumentali sono praticamente scomparsi dalla musica elettronica. Ho pensato che fosse un peccato perché mi era sempre piaciuto ascoltare dischi pop con un assolo di chitarra, o se si tratta di un disco jazz, amo un buon assolo di sax. In generale, la musica elettronica attuale è usata per la musica di sottofondo - sottofondo per i cantanti, sottofondo per immagini, sottofondo per la danza.

"Penso che LinnStrument e gli altri strumenti espressivi possano fornire l'espressione musicale per portare la musica elettronica in primo piano, cosa che gli interruttori on/off di oggi non possono fare. Poi si potrà vedere un nuovo movimento di abili solisti elettronici - gli equivalenti moderni di Miles Davis, Jimi Hendrix, Django Reinhart o altri".

Ascolta 10 famosi patterns creati con la LinnDrum

Cosa deve essere fatto - o cosa deve emergere - per riportare l'espressione? Sembra che gli strumenti ci siano, ma come pensate di riuscire a convincere più persone a suonarli?

"La maggior parte della gente non vede il futuro; si focalizza su ciò che esiste oggi per decidere cosa vuole suonare. Penso che ci sia bisogno di avere più buoni esempi di performance elettroniche espressive strumentali, sia nelle registrazioni che nei concerti. Abbiamo bisogno di esempi di veri visionari prima che la gente capisca veramente perché questa tecnologia espressiva è così significativa.

"Non c'è mai stata una maggiore opportunità per le nuove stelle della musica elettronica espressiva di emergere. Quando ero un giovane chitarrista, c'erano molti musicisti esperti, quindi era difficile per me sfondare. Ma per i musicisti elettronici espressivi solisti, oggi, non c'è praticamente nessuna concorrenza. Se qualche giovane e talentuoso visionario vuole diventare una di queste nuove star strumentali soliste, le opportunità sono enormi".

Questo blog post è stato tradotto dall'articolo di James Russell su MusicRadar.com 3 Luglio, 2019